jueves, 15 de marzo de 2012
viernes, 9 de marzo de 2012
Luis Alberto Spinetta - Muchacha ojos de papel
Muchacha ojos de papel, ¿a dónde vas? Quédate hasta el alba.
Muchacha pequeños pies, no corras más. Quédate hasta el
alba.
Sueña un sueño despacito entre mis manos
hasta que por la ventana suba el sol.
Muchacha piel de rayón, no corras más. Tu tiempo es hoy.
Y no hables más,
muchacha, corazón de tiza.
Cuando todo duerma,
te robaré un color. (bis)
Muchacha voz de gorrión, ¿a dónde vas? Quédate hasta el día.
Muchacha pechos de miel, no corras más. Quédate hasta el
día.
Duerme un poco y yo entretanto construiré
un castillo con tu vientre hasta que el sol,
muchacha, te haga reír, hasta llorar, hasta llorar.
Y no hables más,
muchacha, corazón de tiza.
Cuando todo duerma,
te robaré un color. (bis)
Biografia de Luis Alberto Spinetta (1950-2012)
Artista
fundamental del rock nacional, Luis Alberto Spinetta, nacido el 23 de enero de
1950 en Capital Federal, ha integrado algunos de los grupos más relevantes de
Argentina, además de poseer una variada carrera solista.
Su primer
grupo fue ALMENDRA, formado en 1968
con tres ex-compañeros de colegio, Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y
Rodolfo García. La primera grabación de la banda es el simple con "Tema de Pototo" y "El
mundo entre las manos", editado a fines del ‘68. El grupo se presenta en
vivo en Mar del Plata con Manal y Miguel Abuelo, luego viaja a un festival en
Perú, y actúa en marzo de 1969 en el Instituto Di Tella.
El primer LP
de ALMENDRA sale en Enero de 1970, con la famosa
tapa del extraño payaso y los enigmáticos símbolos de la contratapa. Años
después, en sucesivas encuestas sobre la discografía del rock nacional, es
votado el mejor álbum de la historia. Algunos temas son "Muchacha ojos de papel", "Ana no duerme" y "Plegaria
para un niño dormido". Ese mismo año, el grupo empieza a ensayar una
ópera donde participarían artistas invitados de otros conjuntos, pero la obra
queda inconclusa ante la separación de la banda en el mes de Diciembre, poco
antes de la salida de su segundo disco, un álbum doble también llamado
"Almendra", a secas.
Spinetta graba
temas casi improvisando en el estudio de grabación con amigos músicos y
actores, por ejemplo "Castillo de piedra" de Pappo, y
enseguida viaja a Europa. Ya vuelto de Europa, forma PESCADO RABIOSO,
otro de los grupos más influyentes en la historia del rock local. La idea de
Spinetta es conseguir un sonido más fuerte y rockero, estrenado en Mayo de 1972
en el cine Metro. La primera grabación del trío fue el álbum
"Desatormentándonos", cuya lista de temas incluye "Dulce tres
nocturno" y "Blues de Cris". El segundo disco de Pescado Rabioso
fue "Pescado 2", un álbum doble que se grabó con David Lebón. Algunos
temas son "Como el viento voy a ver", "Nena boba",
"Credulidad" y "Cristálida". El último disco de Pescado
Rabioso es "Artaud", que en realidad es un trabajo solista de
Spinetta, ya que el grupo estaba separado. Lo acompañan su hermano Gustavo,
Rodolfo García y Emilio del Guercio, y el resultado es otra obra, con temas
como "Todas las hojas son del
viento", "Bajan", "La sed verdadera" y
"Cantata de puentes amarillos".
"Artaud"
se presenta en vivo en Septiembre de 1973 en el Teatro Astral, apenas dos meses
antes de volver al mismo teatro para estrenar una nueva agrupación: INVISIBLE. Algunos de los temas claves de lnvisible son
"Suspensión", "Durazno sangrando" y "El anillo del capitán Beto". En cuanto a la
convocatoria, Invisible actúa en el Teatro Coliseo y el estadio Luna Park.
Disuelto
lnvisible, en 1977 llega una nueva instancia como solista. Spinetta se abraza
al jazz-fusión y crea BANDA SPINETTA,
(luego SPINETTA JADE). Graba "A 18‘ del
sol", menos rockero que Pescado e lnvisible, con instrumentales y
canciones como "Toda la vida tiene música hoy". Durante ese año, toca
en el Teatro Coliseo y un festival junto a Litto
Nebbia, Rodolfo Mederos, Domingo Cura y Antonio Agri. La carrera solista
toma vuelo internacional con el proyecto de grabar un disco en Estados Unidos
gracias al apoyo del tenista Guillermo Vilas, a quien Spinetta le había
musicalizado algunos poemas. La grabación incluye sesionistas de primera línea
y fue toda una superproducción realizada entre Nueva York y Los Ángeles. Sin
embargo "Only love can sustain" ("Sólo el amor puede
sostener") no conforma al público ni al artista. Así termina el año ‘78 y
pone en marcha la reunión de Almendra.
A nueve años
de su separación, ALMENDRA realiza una
histórica serie de recitales en el estadio Obras, graba un disco doble en vivo,
otro en estudio y encara una gira por todo el país. La convocatoria es masiva
en todas partes, y en plena dictadura logran unir dos generaciones y proveer
una mirada hacia tiempos mejores. Los tres discos salen en 1980, cuando Spinetta
ya se encuentra en plena actividad con un nuevo grupo. El debut de SPINETTA JADE en vivo ocurre en Mayo
del ‘80 en Obras, junto a Lito Vitale,
Juan del Barrio, Pedro Aznar y Pomo.
Algunos temas son "Dale gracias" y el instrumental
"Amenabar". Al año siguiente sale otro disco, con menos
instrumentales y canciones como "Contra todos los males de este
mundo", "Moviola" y "Sexo". El grupo toca en Obras y
en el festival B.A.Rock de 1982, e incluso Spinetta se presenta a solas en el
Festival de Solidaridad en plena Guerra de Malvinas, cantando algunos temas del
repertorio de Jade.
Paralelo a la
actividad grupal, Spinetta edita más discos solistas. Primero sale el acústico
e intimo "Kamikaze", que presenta en Obras, y después el eléctrico
"Mondo di cromo", casi en simultáneo con el tercer disco de Spinetta
Jade: "Bajo Belgrano".
El último
trabajo de Spinetta Jade es "Madre en años luz", de 1984. Aparecen
algunos sonidos vislumbrados en "Mondo di cromo" (como las baterías
electrónicas) y la única canción que se pasa por las radios es
"Camafeo". El disco se presenta en el Luna Park, donde aparece como
invitado Charly García, con quien
Spinetta había intentado grabar un disco en conjunto, pero el proyecto quedó
inconcluso y sólo aparecieron esquirlas como "Rezo por vos", "Una sola cosa" y "La
pelícana y el androide".
A partir de
1986 llega una larga etapa de Luis Alberto Spinetta como solista, cuyos discos
salieron casi con periodicidad anual, sólo interrumpidos por el refulgente
álbum doble "La la la" (con Fito
Páez) y el comienzo de una nueva banda: LOS SOCIOS DEL
DESIERTO en 1995. El primer álbum de esta serie fue
"Privé", con invitados como Andrés
Calamaro, Fabiana Cantilo, León Gieco y Fito Páez. Después vino "Téster de violencia", que
incluía el hit "La bengala perdida" y el tema "El mono
tremendo", con letra de Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur.
En 1989,
después de grandes shows en el Velódromo, Teatro Broadway y la gira nacional de
apoyo a la candidatura de Eduardo Angeloz, llega "Don Lucero", con el
hit "Fina ropa blanca".
Uno de los recitales de esta época, en la Facultad de Ciencias Exactas, se
grabó y salió bajo el titulo "Exactas", casi coincidiendo con la
edición de su primer Cd, el compilado "Piel de piel". El año 1990
culmina con su participación en el festival "Mi Buenos Aires
Querido", ante más de 100.000 personas. El último disco de esta etapa es
"Pelusón of milk", que consigue una enorme difusión gracias al tema "Seguir viviendo sin tu amor".
A lo largo de
los años ´93-´94, Luis Alberto se encierra a grabar temas en su estudio La
Diosa Salvaje, sin intenciones de tocar en vivo ni firmar nuevos contratos
debido a su profundo desacuerdo con las condiciones de trabajo. La reaparición
se produce a fines de 1994, cuando anuncia la creación de LOS SOCIOS DEL
DESIERTO. Tocan en el Velódromo, al año siguiente llenan cuatro
shows en el Teatro Opera y a lo largo de 1996 se presenta en Capital Federal y
también en distintas ciudades del interior del país. Un nuevo pico en
convocatoria son los recitales gratuitos de cada verano y el cierre de la
Bienal Buenos Aires Joven II que convocan a más de 200.000 personas.
En 1997,
después de cuatro años se edita un nuevo álbum de Spinetta, "Spinetta y
Los Socios del Desierto", grabado
en el estudio La Diosa Salvaje. El primer corte y videoclip será el tema "Cheques".
La discografía
se completa en 1998 con la edición de "San Cristóforo" y "Elija
y gane" en 1999, compilado de los mejores temas de la época que abarca
desde 1980 hasta 1986, salvo por la versión de "Muchacha ojos de
papel" grabada en Exactas en 1990 y el inédito "Correr frente a
ti". Este es el disco número 31 en la carrera de Luis Alberto Spinetta. En
el año 2001 se edita "Silver Sorgo", un disco con un sonido que
remite a los mejores tiempos de Spinetta Jade. Luego editó en 2002 un disco en
vivo, reflejando su actuación en Obras días después de la caída del gobierno de
De la Rúa.
Su siguiente
material sale en 2003 y se titula “Para los árboles”. Por este disco es
nominado a los Premios Grammy Latinos 2004 en la categoría "Mejor Álbum de
Rock Vocal". En 2004 aparece un EP de 4 temas titulado
"Camalotus" y en 2006 lanza al mercado "Pan", con 12 nuevas
composiciones. En 2008 regresa al mercado discográfico y lanza un nuevo
material titulado “Una mañana”. Un álbum que emerge de su laboratorio/estudio
La Diosa Salvaje, y que parece proponer una visión más esperanzada, con
composiciones líricas más al alcance, sin perder la esencia característica del
músico. Este disco le hace acreedor del Gardel de Oro, pese a la suspensión de
la ceremonia de entrega de premios debido a la influenza de la Gripe A (H1N1)
que azota el país en 2009 y se extiende más allá de las fronteras. El 23 de Octubre
de ese año, el Flaco actúa como invitado en el recital "Subacuático",
realizado por Charly García, donde toca el tema "Rezo por vos",
compuesto por ambos para el proyecto que nunca se concretó.
El 4 de
Diciembre se presentó en un concierto en el Estadio Vélez Sarsfield que duró
más de 5 horas y que tuvo como invitados a músicos de la talla de Fito Paéz, Charly García, Ricardo Mollo de
Divididos, Juanse, Gustavo Cerati, Baltasar Comotto, Javier Malosetti y Dante.
A fines de 2010 sale a la venta "Spinetta y las bandas eternas", un
álbum en vivo en formato Cd+Dvd que reproduce lo vivido en el show de Vélez. La
producción contiene 3 Cd´s, 2 Dvd´s con el concierto, 1 Dvd con imágenes de
backstage y de los ensayos y dos libros de fotografías. El título del disco
runde honor a las grandes bandas que ha integrado Luis Alberto: Los Socios del
Desierto, Invisible, Pescado Rabioso y Almendra.
A fines de
2011, la noticia de que Luis Alberto Spinetta padece de cáncer de pulmón golpea
al mundo artístico y a su público. El 8 de febrero de 2012, fallece a causa de
su enfermedad, a la edad de 62 años.
viernes, 2 de marzo de 2012
PARTES DE UNA OPERA
LA ÓPERA
La ópera es
una obra teatral íntegramente cantada. Se representa en un escenario, con personajes, vestuario, un argumento… pero
los actores, en lugar de hablar, van a cantar durante toda la obra acompañados
por una orquesta, que no se sitúa en el escenario, sino en el foso (delante del
escenario y en un plano más bajo).
En la ópera se da un vínculo muy
estrecho entre música y texto. La música participa del argumento y contribuye a
describir los estados de ánimo y los sentimientos de los protagonistas. Puesto
que la ópera es una composición muy larga en la que se dan situaciones de todo
tipo, se divide en formas musicales más pequeñas: obertura, arias, recitativos,
duos, coros… Así, la música se adapta mejor a la acción.
Obertura
Es una pieza instrumental para
toda la orquesta que se interpreta al principio, normalmente con el telón
todavía bajado. Sirve de introducción y presentación de la ópera.
·
Se toca al principio de la ópera. Todavía no ha
empezado la acción.
·
Es instrumental (no canta nadie, sólo toca la
orquesta)
·
Sirve de introducción de la ópera, indicándonos
el carácter que va a tener.
Aria
Es una pieza vocal solista con
acompañamiento de la orquesta completa. Durante las arias la acción se para y
un personaje expresa sus sentimientos. Los compositores reservan para las arias
las melodías más bellas y difíciles y en ellas los cantantes lucen todas sus
cualidades vocales.
·
Solo canta un personaje
·
Es una parte difícil de cantar. El solista tiene
que lucirse.
·
El tiempo se detiene. No transcurre la acción.
·
El personaje expresa con mucha fuerza un
sentimiento.
·
Al finalizar el aria se suele aplaudir
Recitativo
Es una pieza vocal a medio camino
entre el canto y la declamación. Es el momento en que los personajes dialogan y
avanza la acción. No acompaña la orquesta entera, sino unos pocos instrumentos.
·
Los personajes dialogan entre sí y avanza la
acción.
·
La manera de cantar se parece más al habla que a
lo que entendemos por canto.
·
Sólo acompañan unos pocos instrumentos.
·
Al finalizar no se suele aplaudir
Duo, trío, cuarteto
Así se llaman las partes en las
que cantan dos, tres, cuatro… o muchos personajes.
Coro
El coro suele hacer comentarios
cantados sobre lo que va sucediendo en la obra.
Orígenes de Aurora (canción a la bandera)
Aurora es una ópera
argentina de Héctor Panizza. Fue la primera ópera argentina estrenada
en la temporada inaugural del Teatro Colón (Buenos Aires). El aria principal originó la "Canción a la bandera" ("Alta
en el cielo"), que se conoce con el mismo título de modo independiente a
la ópera completa y la cual es una de las canciones oficiales del Estado
Argentino.
Historia
La ópera fue compuesta por el músico
argentino Héctor Panizza
(1875-1967), director de orquesta y autor de varias obras del repertorio
lírico. Se estrenó en el Teatro Colón,
en septiembre de 1908, a pocos meses
de haber sido inaugurado el famoso teatro de Buenos Aires. Es una pieza creada
para exaltar los ideales patrióticos en vísperas de la celebración del
Centenario.
El libreto de la pieza es de Luigi Illica, responsable de los textos
de famosas operas como Tosca, Madamme Butterfly y La Bohème de Puccini. Aurora
fue escrita en italiano, idioma propio del género operístico. Para acompañar al
italiano y suministrarle la información histórica y el contexto nacional que
debía dar sentido y referencia al argumento se sumó como argumentista el
argentino Héctor Cipriano Quesada.
Aurora fue repuesta en el Teatro Colón
en 1909, 1945, 1953, 1955, 1965, 1966, 1983 y 1999.
Tema
El título Aurora coincide con el
nombre de la heroica y trágica protagonista, y simultáneamente remite en forma
metafórica a la alborada de la Independencia nacional, ya que la acción
transcurre durante los sucesos de mayo de 1810 en la provincia de Córdoba y
aparecen personajes históricos puntuales como Santiago de Liniers y Güemes.
La pareja romántica era el joven
patriota Mariano y la bella Aurora que es la hija del jefe de las
fuerzas españolas en la ciudad mediterránea. Las tribulaciones de los amantes
ocurren durante los hechos de la lucha por la Independencia. La obra tiene tres
actos.
Acto Primero
Se desarrolla en la biblioteca del
convento de la Compañía de Jesús, en Córdoba. Entre los seminaristas que
arreglan los libros de la biblioteca, se encuentran los novicios Mariano y
Raymundo. Entra un sacerdote con una canasta para colocarla en el altar de la
Virgen. Cuando sale del aula, los seminaristas buscan ávidamente en la canasta
un mensaje de Buenos Aires.
Mariano encuentra una flor que oculta
un pedazo de papel en que se lee: “Jóvenes:
¡Salud a la aurora que surge en el cielo de la Patria! La lucha por la
Independencia principia hoy, 25 de mayo; hoy comienza la Patria". Su
amigo Raymundo encuentra otro mensaje, en cuya envoltura se halla la siguiente
advertencia: "Que lo abra quien
tenga corazón, y no el servil”. Sin vacilar, Mariano lo abre y da a conocer
su contenido: “¿Córdoba únicamente ha de
ver agitarse contra la patria el estandarte de la reacción? ¡No, Córdoba no ha
de ser servil! ¡Muerte a Linares y a Ignacio de la Puente! Jóvenes: vuestro
convento domina la plaza. Linares ha escondido allí armas y municiones. Abrid
esta noche el convento al pueblo y entregadle las armas, o todo se habrá
perdido". Ante la perplejidad de todos, Mariano reacciona y los gana
para la causa patriótica, invocando la protección de la Virgen. Pero el
gobierno sospecha del movimiento y hace ocupar militarmente la iglesia. Ignacio
de la Puente, jefe del ejército realista, ha convocado al pueblo para que acuda
a la iglesia y defienda la causa del rey.
Un patriota, Don Lucas, arenga a la
muchedumbre y consigue que se adhiera al movimiento revolucionario. Ante el
inesperado pronunciamiento, los jefes realistas deciden convertir la iglesia en
fortaleza, en donde disponen de armas suficientes para dominar la rebelión.
Mariano se encuentra ante un dilema terrible: al enamorarse de Aurora, hija del
jefe realista don Ignacio, no se atreve a ceder a su amor para no traicionar la
causa que se propone defender. Al final del acto, la llegada de los patriotas
interrumpe sus vacilaciones, al mismo tiempo que las campanas del convento
anuncian un nuevo día.
Acto Segundo
La escena se traslada a la residencia
de don Ignacio de la Puente. Una comisión de patriotas, al frente de la cual se
hallan don Lucas, Mariano y Raymundo, penetra en el palacio para exigir la
rendición de las tropas realistas. El jefe español se niega rotundamente; ante
la insistencia de los delegados, les expresa que dará su respuesta definitiva
al despuntar la aurora. Mientras que don Ignacio toma las medidas necesarias de
precaución, Mariano, en traje de seminarista, entra sigilosamente a la
residencia y explica a Aurora sus ideales de libertad, a los que deberán
sacrificarse hasta los anhelos más queridos del corazón.
Acto Tercero
El tercer acto transcurre en una
estancia cordobesa. Al anochecer, don Ignacio se entera del fusilamiento de
Linares. La gravedad de la situación lo decide a dejar a su hija en un convento
hasta que haya pasado la tormenta de la revolución. Conversando con Aurora, se
escucha de repente un choque de armas. Momentos después, se lleva ante el jefe
español a un prisionero. Aurora lo reconoce enseguida: es Mariano. No puede
evitar una exclamación de asombro, que hace comprender a su padre que existe
entre ambos una relación sentimental. De momento manda llevar a una celda al
prisionero, quien declara ser un campesino ajeno a los acontecimientos
políticos. Pero uno de sus subalternos lo ha reconocido y explica a su jefe la
intervención que Mariano ha tenido en el movimiento. Don Ignacio resuelve
entonces someterlo a un consejo de guerra, que lo condena a muerte por espía y
traidor.
En una entrevista clandestina, los
amantes se confiesan la intensidad de sus sentimientos y lamentan el destino
que frustra su unión. Una feliz constelación les hace posible la fuga. Los
amantes aprovechan la circunstancia pero los centinelas los sorprenden y una
bala infortunada hiere a la joven. Al escuchar los disparos, acuden su padre y
varios oficiales. La desgraciada muchacha, postrada en el suelo, ve alborear el
día. Al elevarse radiante el sol de la libertad de América, exclama:
"Mirad, es la aurora. Dios la escribe en el cielo con el sol y en la
tierra con su sangre" y expira en brazos de su amante.
Simbología
Aunque falto de color local, no se
puede negar al argumento de la obra cierta eficacia romántica, lindante con la
típica novela romántica. La simbología enlaza, con el nombre de Aurora, la
aurora de Mayo, el despuntar de la patria, con el nombre de la desventurada
muchacha, convertida por amor, al credo de la libertad de su amante.
Aria
Fue famosa un aria de la obra que
cantaba el tenor Amedeo Bassi (Mariano) al final del segundo acto, en un
“intermedio épico” en que se descubría en la figura de un águila que planeaba
en lo alto la imagen de la bandera nacional y le cantaba. Ese segmento fue un
éxito y se pedía la repetición del mismo durante las representaciones. Conocido
originalmente como "Canción a la Bandera" es la canción que se separó
para ser cantada en las escuelas de la Argentina con el nombre de toda la
Ópera, "Aurora".
Durante el gobierno de 1943 se le
encargó a Josué Quesada traducir el libreto junto a Ángel Petitta. Esa versión
en castellano se estrenó otra vez en el Colón el 9 de julio de 1945, ante el
presidente Edelmiro Farrell y el vicepresidente coronel Juan Domingo Perón. De
nuevo el éxito de la ópera y del aria fueron muy grandes. Más tarde un decreto
oficial convirtió a la Canción a la bandera en canción obligatoria para los
escolares argentinos.
Texto original en
italiano
El texto original de 1910 para el aria de la Opera, posteriormente traducido al castellano, es el siguiente:
Alta pel cielo,
un’aquila guerriera,
ardita s’erge in volo trionfale.
ardita s’erge in volo trionfale.
Ha un’ala
azzurra, del color del mare,
ha un’ala
azzurra, del color del cielo.
Così nell’alta aurora irradiale,
Così nell’alta aurora irradiale,
il rostro d’or
punta di freccia appare,
porpora il teso collo e forma stelo,
porpora il teso collo e forma stelo,
l’ali son
drappo e l’aquila è bandiera.
È la bandiera del Paese mio,
È la bandiera del Paese mio,
nata dal sole;
e ce l’ha data Iddio!
Letra: Luigi Illica y Héctor Cipriano Quesada
Letra: Luigi Illica y Héctor Cipriano Quesada
Música: Héctor Panizza
Texto en castellano
Texto en castellano
Alta en el cielo, un águila
guerrera
azul un ala, del color del mar.
Letra: Josué Quesada y Ángel Petitta
audaz se eleva en vuelo
triunfal.
Azul un ala, del color del cielo,azul un ala, del color del mar.
Así en el alta aurora irradial,
punta de flecha, el áureo rostro
imita
Y forma estela, al purpurado
cuello,
el ala es paño, el águila es
bandera.
Es la bandera de la Patria mia
del sol nacida, que me ha dado
DiosLetra: Josué Quesada y Ángel Petitta
Música:
Héctor Panizza
Traducción
La traducción efectuada al texto
original italiano resultó sumamente creativa, consignando términos que no
existen en castellano, errores de interpretación, así como referencias a
elementos desconocidos en la Argentina. La referencias a un "aguila
guerrera" se entiende entre las referencias clasisistas a la mitología greco-latina,
donde se compara un águila de color azul y blanco a la bandera nacional.
El escritor Juan Sasturain escribe
sobre los neologismos:
"En el original italiano, no hay “aurora irradial”
(no existe en castellano) sino “aureola irradiale”, es decir: la aureola de
rayos del amanecer que, como la que ilumina la cabeza de los santos, ilumina al
águila(...) se traduce el verso “il rostro d’or punta de freccia appare” como
“punta de flecha el áureo rostro imita”, cuando “rostro” es “pico” en italiano:
es decir que el pico del águila, iluminado, parece una punta de flecha, el
extremo metálico del asta. (...) el verso “Y forma estela al purpurado cuello”
[...] por “porpora il teso collo e forma stelo”, que quiere decir (...) que
enrojecen (los rayos del sol) el tenso, alargado cuello (del águila) y forman
el tallo (“stelo”, no es “estela”), el asta de la bandera. "
Diccionario
Ópera: Género musical nacido en el siglo
XVI. Espectáculo dramático con música, escenografía, vestuarios y, a veces,
ballet. En él tienen un papel destacado los cantantes solistas, acompañados por
una orquesta y, a veces, por un coro. Se suelen representar en teatros
especiales de ópera. El guión y diálogos de la ópera se llaman libreto. Desde
su nacimiento ha tenido muchos valedores, e incluso algunos compositores han
creado exclusivamente para este género.
Aria: es una pieza musical para ser
cantada por una voz solista sin coro, habitualmente con acompañamiento
orquestal y como parte de una ópera.
Fuentes
jueves, 1 de marzo de 2012
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